Angst

 

Alfred Kugin - Angst

Die zwei Kronen

"The Two Crowns” 

Sir Frank Bernard Dicksee 

Es gibt nur eine Krone - und deren Bett, die zweite Krone, dargestellt durch den Blumenkranz, der das Haupt des treuen und gehorsamen Eheweibs des Königs bekränzt. Er wird nur in Zeiten der Stellvertretung des Königs (symbolisch somit) eine Krone tragen, und dann wird die erste, "harte"! Krone das Haupt der edelen Königin nicht drücken. 

Seit je hat das Recht deshalb keine Verantwortung der Königin gesehen. Weil es eine solche nicht gab bzw. gibt. Die Pflicht der Frau war der Gehorsam, nicht die Folge der Tat, in der sie den Auftrag des Königs erfüllt hat. Dafür wurde auch nicht sie, sondern der König - ihr Mann - zur Rechenschaft gezogen. 

Und worum es nicht geht (2)

Der Mensch, der seinem Sinn lebt, ist niemals der, der "gesund lebt". Punkt. Er ist der, der sich seinem Sinn unterstellt, und dafür seinen Leib ins Opferfeuer wirft. - Damit ist auch jenes (vorsichtig agierende) Konzept zu verwerfen, in dem Wege gescucht werden, einen Zustand zu erreichen, der "erst einmal in Ordnung und heil ist", um von dort aus dann die logos-Dimension anzugehen, also die herantretende Lebensaufgabe "zu erfüllen". Heißt, nicht erst eine Art "psychischer Gesundheit" herzustellen, um dann auch in die Lage zu kommen, allenfalls noch herantretendes Leid zu "bewältigen". Es heißt auch nicht, "erst gesund" zu werden (von Corona etwa), um dann die Menschen über Sinn und Lebensfülle zu belehren. 

Sondern es heißt das bedingungslose Ja zum Wirklichen, in welcher Form immer es herantritt, um dann an und in dieser Aufgabe sein Leben zu bewältigen, so gut es geht. Das kann auch heißtn, daß das eigene Leben seltsam "scheitert", daß alles daneben geht, und es kann vor allem heißen, daß man erkrankt, woran auch immer. Dann eine Art "subjektive Persönlichkeit" herauszuarbeiten, die es dann zu gesunden gilt, auf daß von dort aus dann auch der Leib gesunde, ist bereits die Fragmentierung des Ganzen in für sich gar nicht bestehen bleiben könnende Teile. Heißt also genau diese Auseinanderreißung, die Schubert in gewisser Hinsicht sogar als "falsch" zu erkennen meint. 

Und worum es nicht geht (1)

Betrachtet man den Menschen im Kosmos, sieht man seinen Rang. Als Ebenbild Gottes geschaffen, ist er die Anlaufstelle der restlichen Schöpfung, die auf ihn hin (un damit an seinen Ort) ausgerichtet ist. 

Vom Kosmos her, in dessen Zentrum sich die Erde befindet, bis zur (in der räumlichen Anschauung) unter ihm befindlichen Schöpfung der Lebewesen in Tier und Pflanze absteigend (mit jweils sogar schmalen, aber sehr indifferenten, scheinbar beiden Bereiche zugehörigen Randzonen, wo also Pflanzen nahezu tierähnliche Eigenschaften haben, und umgekehrtt) bis dann eben hin zur nur materiellen Ebene der chemischen Elemente. 

In allen findetn sich dieselben Prinzipien, als Verweis auf Gott in seinem Wesen, allerdings in jeweils anderen Ebenen. Die sich jedoch im Menschen zur Geistigkeit gesteigert findet, das heißt, daß er "wie" Gott auf dem Gewese der Wahrheit steht. Diese ist es, die ihn vollends durchdringt, und weil alles, was es gibt, von seiem Höchsten bestimmt ist, weil das "was" etwas ist von sienem Höchsten her aussagbar und als Ganzheit wesensbestimmt ist, ist es auch für ihn die Wahrheit selbst, die die Lebensgrammatik bedeutet. 

Dem unsittlichen Sieger sein unsittlicher Journalismus

Ein Journalist meinte unlängst - war's in einem Radioessay, war's in einer Fernsehabschrift, ich hab's vergessen, mir scheint abgesehen davon, daß ich das zuletzt öfter gehört habe, und warum das gar recht wahrscheinlich sein sollte, erschließt sich späterhin, handelt es sich hier doch um eine Befindlichkeitsstörung einer ganzen Zunft* - der Journalismus habe es. wie der Ukrainekonflikt nun zeige, erstmals mit einer Sphäre eines kollektiven Journalismus zu tun, hinter der eigentliche Berufsberichterstatter nicht mehr hinterherkomme, weil die zahllosen Hobbyvideofilmer und -berichterstatter dank der unzähligen Aufnahme- und Sendegeräte ihm gegenüber in unaufholbarem Vorteil seien. Und die Zuhörer nickten, denn jeder hat doch so ein SmartPhone, seinen Youtube-Anschluß, sein WhatsApp-, Telegram- oder Twitter-Account.

Die Finesse dieser Feststellung wird erst beim zweiten Blick erkennbar. Denn dann zeigt sich das Elend des Journalismus, der VON BILDERN ausgeht, von DETAILS, von EINZELEINDRÜCKEN, um von dort aus dann das Ganze zu bewerten. Da ist ein totes Kind - also muß der Verursacher ein Kinderschlächter sein. Da ist eine klagende Menschengruppe - also muß der Verursacher dieser Klagen ein Verbrecher sein. Da ist eine zugerichtete Soldatenleiche - also muß der Verursacher dieses Todes ein Böser sein.

Wer die Geschichte entfernt hat nur noch Faltengerüste

Ein wenig kann auch der VdZ das nachvollziehen, der zwar von den 180 Kilo des John Goodman, die dieser "in seinen besten Zeiten" auf die Waage gebracht hat, noch weit entfernt ist, aber doch manchmal gerne 20 oder 30 Kilo weniger hätte. Durch Diät und Bewegung (samt eigens engagiertem Fitnesstrainer) hat der Schauspieler, der zu jenen Leinwanddarstellern gehört, nur deretwegen sich der VdZ schon mal einen Film ansieht - weil er ihn einfach mochte.

Er hat ihn auch jetzt schon gesehen, und es ist ... nein, es ist etwas verloren gegangen. Goodman ist ein anderer Typ geworden. Fast möchte man sagen: Ein Durchschnittstyp. Zumindest einer, den man meint öfter mal zu sehen. Wer sich die nun in der Kronen Zeitung, dieser Spielwiese des vermutlich übelsten Hedgefondmißgeburt Mitteleuropas, dieser (auch deshalb; denn solchen Leuten ist alles nur Mittel zum Zweck, der wie ein Kuckucksjunges den Sinn aus dem Nest wirft) obersten und dreckigsten der Erziehungsanstalten Österreichs (ja, es geht noch widerlicher als Österreich/oe24), diesem "Land ohne Zeitung", veröffentlichten Bilder "vorher/nachher" ansieht, wird des VdZ Einschätzungen nachvollziehen können. Man denkt sich als Dicker schon mal, was man denn sonst noch alles hätte machen könnte, hätte man 30, 50 oder 90 Kilo weniger, wie Goodman "vorher". Man denkt freilich nie daran, was man dann verlieren und was man zerstören würde: Die Ganzheit. 

 

Erst im Darstellen isset Welt

Das 19. Jahrhundert hat vom Museum gelebt; auch wir tun dies noch, ohne dabei zu bedenken, daß es dem Besucher eine vollkommen neue Beziehung zum Kunstwerk aufgezwungen hat. Ihm ist es zum guten Teil zuzuschreiben, wenn die Kunstwerke [...] ihrer eigentlichen Funktion enthoben und dafür in Bilder verwandelt sind: selbst die Bildnisse sind diesem Verwandlungsprozeß nicht entgangen. 

Sind Cäsars Büste oder Karl V. zu Pferde immer noch Cäsar und Karl V., so ist der Herzog von Olivarez nur noch Velazquez. Was kümmert es uns noch, er der Mann mit dem Goldhelm, wer der Mann mit dem Handschuh gewesen ist? Sie heißen für uns Rembrandt und Tizian. Ein Portrait ist nicht mehr in erster Linie Abbild eines bestimmten Menschen. 

Oh, dieses Übel der Natur (2)

Teil 2) Walle walle manche Strecke, guter Topf,
denn es kommt noch mehr Krötenbein dazu, ehe das Bild sichtbar wird

Und das ist nun tatsächlich ein weithin in der westlichen (also dem kapitalistischen, ehedem christlichen bzw. von christlichen Rudimenten noch geprägten Teil der Welt) der Fall. Wie in zahlreichen Studien gezeigt werden konnte, die im letzten Jahrzehnt (so lange zumindest fallen sie dem VdZ bereits auf) angefertigt worden sind, ist eines der größten Probleme bei Frauen mittleren Alters (ab Ende Dreißig, Mitte Vierzig) die Solitude. Das betrifft gut vierzig Prozent der Frauen dieser Gruppe. Fast die Hälfte der Frauen dieser Gruppe findet also keinen Partner. Sie schreibt deshalb auch die Mutterschaft als nicht zu erreichendes (eigentlich muß man sagen: verfehltes!), aber fundamentales Lebensziel ab. Das sie - und das ist immerhin erstaunlich - in höchstem Ausmaß immer noch als solches sehen.  

Oder verwenden wir den Konjunktiv: Sähen. (Erinnerlich sind hier Zahlen von neunzig Prozent erhoben worden.) Aber als junge Frauen nicht sahen, sondern erst in ihrem jetzigen Alter dessen Bedeutung für ihr Leben - als unerfüllte und unerfüllbare Sehnsucht - sehen. 

Was ist nun das Merkmal dieser solistischen Gruppe? Sie ist sozial HOCH angesiedelt. Wodurch? DURCH AUSBILDUNG, und das heißt in der Folge: DURCH DEN BERUF. Zumalen in einer Ex-Kultur, die keine sozialen Ordnungen mehr kennt, wo sich also jeder und ständig seinen Platz erringen und verteidigen muß, der Beruf und dessen Umfeld nahezu das einzige, in jedem Fall fundamentalste identitätsstiftende Merkmal ist. Die Bildungspolitik im Westen hat in den letzten Jahrzehnten hat dies ja ganz gezielt und oft genug mit "positiver Diskriminierung" (Männern gegenüber) zum Ziel gehabt. 

Auch wenn es dummdoofe Stimmen genug gibt, die diese Tatsache - sozial hochstehende Frauen finden keine Ehepartner - zu einem neuen soziologischen Faktum erheben wollen, so wissen wir nicht nur, daß das nicht stimmt. Es war vielmehr IMMER schon so. Wenn diese selben Stimmen außerdem noch erklären, daß Männer mit Frauen mit "großem Selbstbewußtsein" (durch Ausbildung und sozialem, "selbst erworbenem" Rang) nicht umzugehen wüßten, so stimmt das ebenfalls nicht. Auch dieses Verhalten war schon immer so, und es geht zuerst einmal von den Frauen aus! Die "nach oben" greifen. Also Männer "in der Ehe einfangen", so gut es nur geht. Und sei es durch "ungewollte Schwangerschaften".

Apropos "ungewollte Schwangerschaften." Nur einen Seitenblick soll uns wert sein, diesen so furchtbar umtriebigen Begriff mit obigen sozialen Tatsachen zu verknüpfen. Indem wir die Frage in den Raum werfen, ob nicht so manche dieser "ungewollten Schwangerschaften" (die es in den Augen des VdZ sowieso nicht gibt) einfach dem Umstand zuzuschreiben ist, daß die Frau, die (sagen wir so) verführt wurde oder gar die Verführung ohne weiter zu überlegen veranstaltet hat (zumindest sollte man dieses Vorhaben aus so manchem textilen Verhalten gewissermaßen ableiten), nun aufgewacht ist und mit einer Folge konfrontiert ist (einem Kind in ihrem Bauch), die sie an einen sozialen Stand bindet, den sie so gar nicht anstrebt, diese Bindung mit aller Macht wieder eliminieren will. Das heißt, sie lehnt das Kind deshalb ab, weil es sie an einen Stand "unter ihr" bindet.  Oder das so empfindet. 

Und jetzt werfen wir noch eine Zutat in den Topf, weil der doch schon so herrlich brodelt: Wir werfen die ebenfalls durch zahlreiche Studien belegte Tatsache in den Topf, daß gut die Hälfte der jungen Frauen der Gegenwart von einem Leben "als Berühmtheit" träumt. Was wiederum heißt, daß sie sich dazu berufen und somit vorherbestimmt sieht. (Berufung stammt, und das ist ziemlich interessant im Gemengelage aller dieser Faktoren zum Thema, VON AUSZEN, ist also BESTIMMUNG, und nicht frei gewählt!) Somit steigt die Wahrscheinlichkeit, daß die Frauen, die mit diesem Geistesvirus verseucht sind, in den Männern ihres Standes keinen EBENBÜRTIGEN oder (lieber noch) überlegenen Stand finden. Und damit die Wahrscheinlichkeit, daß sie Kinder aus solchen kurzzeitig real und sozial gewordenen Beziehungen als "unerwünscht" ansehen. #

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Noch Fragen? Ja, es sind viele Fragen, die in diesem Zusammenhang aufplatzen. Überlassen wir weitere Antworten aber doch dem Bild. Endlich! Dessen komplexe Wirklichkeit, die in so vielen Details sichtbar gemacht wird, jedes Denken und also jedes Gerede bei weitem übersteigt. Ohne je irrational zu werden, erzählt uns diese Wirklichkeit in einer Sprache, die als "Sprache der Engel" bezeichnet werden könnte, viel mehr über den Menschen als jeder durch Stuhlwärmerei in all den häßlichen Hühnerställen, die Universitäten und Hochschulen genannt werden, je zu vermitteln möglich sein wird. Und das ist es doch, was wir uns von einem Kunstwerk wünschten?

*Die Betonung von "einem Mann" hat seinen Grund, denn die Promiskuität bei der Frau hat eine (wenn man sie einmal erkannt hat) deutlich sichtbare Realität. Die promiskure Frau (mit zahlreichen oder wechselnden Geschlechtspartnern, und zwar wieder mit einer Betonung auf der körperlichen Seite als der die Frau prinzipiell bestimmenden Seite ihrer Existenz) wird verwirrt. Wir haben es deshalb in Zeiten, werter Leser, in denen die Frau ihre Geschlechtspartner "frei" wählt mit einer enormen Zahl von (tatsächlich!) geistesgestörten Frauen zu tun. 

Die nur deshalb nicht erkannt werden, weil die sozialen, gesellschaftlichen Bedingungen, in denen solch eine Promiskuität üblich oder häufig wird, bereits selbst eine Geistesstörung ausweisen, weshalb Geistesstörung als "normal" betrachtet wird. Und jedes Rezept doch noch zu leben, zu existieren, nur noch zu einem oft recht komplexen Geflecht wird, wie diese Tatsache verborgen gehalten werden soll. 

**Die Geschichte zeigt, was die Etymologie der Vornamen ohnehin nie verborgen hat: Daß es nämlich nie einen spezifischen "Frauennamen" gab, sondern daß die Frau seit je - Adam ruft entzückt aus: "Fleisch von meinem Fleisch" - ihre Identität vom Mann her erhält. Frauennamen sind fast ausschließlich feminisierte Männernamen. Die bei den Römern ihre Rolle im sozialen Gefüge durch die Gleichsetzung von Mann (=Vorname, der durch die übrigen Namen nur spezifizierbarer und damit für das Umfeld Eigenschaften - als Beziehungsmerkmale eines Ortes - zuordnenbarer, erkennbarer gemacht wird) mit Haus so vielsagend war: Frauennamen waren immer Zuweisungen an ein Haus, ein Geschlecht sozusagen. 

Denn Mann = Vater = Pater = Patriarch ("väterliche Ordnung") = Vorstand und damit ZUGLEICH Haus, dem eine Reihe weiterer Personen sowie Dinge (=Eigentum) als dessen Verantwortungs- wie Regierungsbereich zubehören. Womit wieder einmal deutlich wird, warum die Familie nicht nur die kleinste Zelle des Staates, nicht nur das Vorbild des Staates ist, sondern wie ein Fraktale die kleine Struktur (Form) auch der jedes großen sozialen Gefüges (nicht nur bis zum Staat, sondern bis zur Welt, die in Jesus Christus ihren König als Identitätsstifter und Oberster des Welthauses = Kirche hat) identisch ist.

*140121*

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Oh, dieses Übel der Natur (1)

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Der Originaltitel der hier beigefügten Zeichnung von James Gilray lautet "Farmer Giles and his Wife showing off their daughter Betty to their Neighbours on her return from School", und er hat sie im Jahre 1809 angefertigt. Sie zeigt eine mit ungeheurem Scharfsinn getroffene Situation, in der das sichtlich entzückte Bauernelternpaar die (durch die Reaktionen der übrigen Personen erkennbare) dilettantischen Fähigkeiten am Klavier präsentiert. Das Ehepaar demonstriert damit seinen sozialen Aufstieg, den es durch Geld erreicht zu haben meint. Sichtbar wird das durch den Edelmann (siehe die Perücke, also die "whig"). So sind also die neuen Zeiten, in denen neue Mechanismen wirken, die den Menschen ihren Ort zuweisen, der ihnen fortan ihre Identität gibt. Ein Ort, den erworbenen Fähigkeiten, also Schulen, schulische Titel und Ausbildungen definieren.

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Großartig wird aber vom Maler vor allem eines getroffen: Die Veränderung des sozialen Gefüges, die durch den Umbruch des Selbst- und Identitätsverständnisses durch ein grundlegend verändertes Weltbild bewirkt hat. Durch die Aufklärung, die weithin als neuer autoritativer Maßstab eines veränderten Verständnisses von Welt Raum griff, brach auch die Identität ein. 

Von einer vorgegebenen Einheit eines Ortes, der Identität nicht nur gab und zuteilte, sondern durch diese Identität auch ein nahezu vollständiges Bündel an Verbindlichkeiten und Rechten der Umwelt gegenüber festlegte wie forderte, von einer Gabe der Welt an das Individuum selbst also veränderte sich das Bild eines gesellschaftlichen Gefüges zu einem (buchstäblich) irgendwie" sich findenden Mosaiks, das aus "Eigenschaften", Tätigkeiten, für sich zu sehende "Begabungen" erwuchs. Und zwar im Sinne von "sich (irgendwie) von selbst finden". 

Es ist auch jene Epoche, in der der Wirtschaftsliberalismus zur dominierenden Sichtweise von Wirtschaft und Volkswirtschaft wird. Und es ist auch jene Zeit, in der Napoleon dieses Konzept einer sich "irgendwie" aus faktischen Begabungen und Kräften zusammenfindenden Weltordnung in die Tat umsetzte. Und nicht nur ganz Europa neu ordnete, sondern - Gott sei's gedankt - die gesamte Welt neu zu ordnen versuchte. 

Wäre er nicht schon bei den ersten Versuchen dieser Art jämmerlich gescheitert - und zwar an den realen Kräften seiner Marine und seiner Armee. Abukir, Trafalgar, Spanien, Haiti und der gesamte karibische und den Süden Nordamerikas erfassende Raum (mit einem nächsten Opfer, nämlich Mexiko), wo das französische Konzept einer Revolution von unten gestiftet wurde, um dann entweder zu Chaos (Haiti) oder (und) zum Recht und zur Legitimation eines neuen Stärkeren, der Vereinigten Staaten, wurde. 

Wenn es also eine Charakteristik gibt, die das 19. Jahrhundert wirklich kennzeichnet, dann ist es die Suche nach einem neuen Ort. Die ausgehend von der Zerstörung jedweder alten auf sämtliche Bereiche des Menschseins übergriff. Im Windschatten dieser Entordnung aber konnten sich auch neue bestimmende Hierarchien etablieren, die sich im kapitalistischen Wettbewerb, legitimiert durch eine grundsätzlich neue Schöpfungsordnung, nämlich der einer Evolution "aus sich heraus", in der das Prinzip des Stärkeren zum Weltprinzip überhaupt wird. 

Das neue Paradigma war fortan Rücksichtslosigkeit, das neue Idealbild wurde die Bildungslosigkeit, die sich als das Fehlen jedweden zwischenmenschlichen Feingefühls als erstes zeigt, und damit die Auflösung jedweder Kultur zum neuen Maßstab macht. Sieger wird nun der, der mit den herumfliegenden Trümmern, in denen das Echte weil ontologisch im Wesen des Menschseins (als Kulturwesen) begründete Sein um Halt und Boden ringt.

Kehren wir nun zum Bild zurück. Das Mary Douglas so klarsichtig mit einem neuen Titel versieht. Den der erste Titel des Bildschöpfers zwar bereits enthält, der aber die Größe des Kunstwerkes schon damit erkennbar macht, als es über die Zeit hinaus seine Gültigkeit im Darstellen des Wirklichen und damit Zeitlosen - als Schema, als Archetyp menschlicher Kultur - beweist. Die Anthropologin nennt in "The World of Goods" das Bild

"Farmer Giles and his Wife Put Their Daughter Through Her Paces for a Prospective Husband".

Denn die Bauern haben (in ihrer Schläue) sehr gut begriffen, was diese neue Ordnung erst zu einer solchen macht: Und das ist die Verheiratung. Zwar müssen wir feststellen, daß deren Stellenwert auf kaum noch zu überbietende Weise gesunken ist. Doch zugleich können wir sehen, wie das Dämonische langfristig wird: Weil es in sich widersprüchlich ist, ruft es langfristig immer das Gegenteil dessen hervor, was zu erreichen es ursprünglich auszog. 

Denn es war zwar das Ziel der Revolution, die alten Ordnungen zu zertrümmern. Doch zeigt sich gerade in der Ehe, daß die Folge keine neue Ordnung war und ist, sondern die völlige Orientierungs- weil Ortslosigkeit aller Menschen. Die Ehe ist ja dem Menschsein - das eine Existenz als Mann und Frau ist, die im jeweils anderen zu sich selbst finden ("Das Ich liegt im Du") - so grundsätzlich, daß man sie "konstitutionell" nennen muß. In ihr wird zugleich sichtbar, wie sehr das Menschsein generell auf die Umgebung, auf die Gesellschaft also ausgerichtet ist. Denn die Ehe steht wie jede Identität auf zwei Beinen. Der des Subjekts, und der Gesellschaft, die dieses Subjekt als "jemand" erkennen will. 

Nur dann kann sie die Beziehung überhaupt erst gestalten, und nur so wird "das andere" ebenfalls zu sich selbst. Eine Individualisierung ohne Gesellschaft (ohne Ehe bzw. einer der Ehe gleichzustellenden Zugeschriebenheit wie bei Ordensleuten oder bei Menschen mit einer Aufgabe, einem Ort, der sie ganz umfaßt und einbegreift ohnehin) ist also gar nicht möglich.

In der Beziehung von Mann und Frau wird aber noch eine Eigentümlichkeit der Identität sichtbarer als sonst, und das ist die Gegebenheit von Identität DURCH den anderen bzw. die anderen. Denn die Frau ist in ihrer Identität völlig auf den Mann* (bzw. eine den Ehe-Mann real ersetzende Person) ausgerichtet. Sie muß ihr in der Welt-sein vom Mann erhalten. Was am klarsten in der Ehe geschieht, und in den Ritualen der Eheschließung bis zum heutigen Tag ausgedrückt, wenn auch kaum noch gewußt wird. In diesem Fall: Wenn der Vater (als der erste "Mann") die Hand der Braut dem (neuen) Mann in dessen Hand übergibt, und die Frau fortan die Identitätsform des Mannes - dessen Name FÜR die Welt, also dessen Namen - trägt.**

Douglas hat die Heiratsdaten in England im 20. Jahrhundert analysiert. Und sie ist zu dem Ergebnis gekommen, daß sich Frauen und Männer in der Wahl ihrer Partner bemerkenswert unterscheiden. Männer sind "standes-konservativ", aber auch ihrer Macht bewußt, eine Frau Identitär zu bestimmen und damit "zu heben". Das heißt, daß sie statistisch signifikant Frauen heiraten, die entweder ihrem Stand gleich oder diesem unterlegen sind. Das heißt, sie heiraten auch "Frauen von unten". Anders Frauen. Sie tendieren nicht nur deutlich dazu, entweder einen Mann ihres bereits bestehenden Standes zu ehelichen, sondern sie neigen dazu, einen Mann in einem Stand "über ihnen" zu heiraten. Gleichzeitig aber verweigern sie die Heirat mit einem Mann aus einem Stand "unter ihnen". 

Das führt aber noch weiter. Und was hier herausgefunden wurde ist interessant, denn wir haben es hier mit einem brandaktuellen Thema zu tun. Wenn Frauen keinen Ehemann (als Anker und Quelle ihrer Identität) aus ihrem oder einem übergeordneten Stand finden (vielleicht, weil sie bereits zum obersten sozialen Rang gehören, dazu noch unten) und heiraten 

- der Leser sei erinnert: In dieser Proportion herrscht zwangsläufig Ungleichgewicht, also Mangel; weil Männer bei der Frauenwahl auch "nach unten" greifen, entsteht für Frauen (deren substantielle Identität vom Vater stammt) ein Mangel an Männern des gleichen und in der Folge auch des überlegenen Standes - 

heiraten sie GAR NICHT. Was in jedem Fall heißt, daß sie kein stabiles soziales Gefüge finden, das ihnen einmal Identität und dann auch die Erfüllung genuin weiblicher Früchte bringt. Das sind namentlich Kinder. Die selbst ja wieder auf stabile Elternverhältnisse angewiesen sind, wollen sie seelisch-geistig gesund bleiben, und das heißt wirklich produktive, schöpferische Elemente in einer Gesellschaft sein.

Morgen Teil 2) Walle walle manche Strecke, guter Topf,
denn es kommt noch mehr Krötenbein dazu, ehe das Bild sichtbar wird

*140121*

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Filmempfehlung (1)

Daß der Film unter dem Genre "Horror" eingeordnet war hat der VdZ erst ganz am Schluß bemerkt. Denn dann hätte er ihn gar nicht angesehen. So ließ er sich lediglich von der Handlungsbeschreibung, dem "Teaser", verlocken, und er hat die zufällige Entscheidung nicht bereut. Denn nur, weil es um eine weitere (und immer interessante) Adaptierung der Faustlegende geht, in der natürlich der Teufel vorkommt, ist ein Drama noch kein "Horrorfilm." 

Daß es um den Faust geht hat auch Wikipedia nicht bemerkt. Das sich stattdessen in eine endlos lange Handlungsbeschreibung verliert, die aber kaum mehr als eine Aneinanderreihung dessen ist, "was passiert". Weil der Verfasser offenbar keinen Faden durch die vielschichtige Handlung fand. Der VdZ hat jedoch auch sonst keine brauchbare Rezension dieses Films gefunden, und das ist anderseits auch nicht überraschend. Denn die Kunstszene hat vielfach von dem, womit sie sich eigentlich befaßt, keine Ahnung mehr. 

Es geht hier um den Film "Angel Heart" (1987), der dem Leser nahegelegt werden soll. Mit Mickey Rourke, Charlotte Rampling und Robert DeNiro als Stars. (DeNiro wurde für seine Leistung sogar für den Oskar für die beste Nebenrolle vorgeschlagen.) Samt einer Reihe weiterer Darsteller, die in dem Film von Alan Parker, der geheimnisvoll und durchaus beängstigend, aber alles andere als ein Horrorfilm ist, glänzen. 

Glänzen, weil glänzen können. Das großartig "okkulte" (okkult=verborgen) Drama bietet in Bild und vor allem Drehbuch so schlüssige Rollenbilder und Charaktere, daß der Schauspieler wirklich seiner Kunst gewahr werden kann - und einfach jener Brillant sein darf, der vom Licht (nicht durch ein "Machen", das von ihm ausgeht) in die jeweilige Farbe versetzt wird. 

Leistung kann deshalb bei einem Schauspieler nur in der Arbeit ABSEITS der Bühne (bzw. des Films) gesehen werden. Im Leben, das seine Facetten prägt und schleift und schlägt und glättet. Max Reinhardt hat deshalb in seinen Gedanken zum Schauspieler immer gefordert, daß dieser je ein halbes Jahr "leben" solle, um dann ein halbes Jahr auf der Bühne zu stehen und "sich in einer Rolle sehen zu lassen".

Insgesamt bleibt der Akteur immer eingebettet in einen Archetyp, als Landschaft und Handlung, als Figur. Das alles ist in "Angel Heart" echt weil analog zu einem der sieben Archetypen, die in einem dramaturgischen Werk bzw. in jedem Kunstwerk nur möglich sind. Dann aber baut sich eine ganze Weltbühne auf, die fesselt und beängstigt, weil man tatsächlich das Nichts, vor dem jeder Mensch steht - und das sich als Hölle weltlicht, sozusagen - ahnt.  Das Wahre ist ja immer auch furchtbar, das vergißt man leider und gerade heute schon habituell. Man fordert heute sogar das Gegenteil: Die geglättete "Wahrheit", also die "Information", die man bereits besitzt, in der Gestalt der Richtigkeit.

Aber hier? Bilder, meine Herren, Bilder! Die gibt es jede Menge! Sie überwältigen sogar immer wieder, erinnern an die hohe Kunst der Holländer, an Caravaggio, an den safttriefenden, trankvollen amerikanischen Süden. Der seine Wurzeln im tiefsten katholischen Frankreich, in einer nirgendwo auf der Welt so dichten Verwobenheit von Afrika und Europa hat. 

Man wird dabei an die Herkunft des Filmes aus dem Theater ebenso wie von der bildenden Kunst, der Malerei erinnert. An eine Welt der Gestalt. Der VdZ, der den Film auf einer Streamingplattform gesehen hat, mußte sogar immer wieder die Pausetaste betätigen, um ein nächstes großartiges Gemälde in Ruhe auf sich wirken zu lassen, weil es ihn überwältigt hatte.

Die Handlung ist zwar komplex weil lange nicht recht durchschaubar, aber sie ist wie bei einem guten Drehbuch (Drama) doch so einfach. Denn sie ist eine Variante des Faust-Mythos, der so oft und oft in der Literatur gebraucht wird. Man findet die Fabel hier somit als nächste Emanation. Diesmal im Süden der USA situiert, namentlich in dem phantastischen, pittoresken New Orleans. Das dem VdZ wie so viele Orte der Welt wohl lieber in den Bildern ist, die er in der Realität gar nicht besuchen will. 

Denn bei diesem Universalismus der Gegenwart, der alles auf der Welt wie eine Dampfwalze niedergewalzt hat, was soll man aus Reisen noch lernen, was hilft es heute noch? Die wahren Fluchtpunkte heute liegen ganz woanders als in solchen Reisen, die früher noch so ein probates Mittel zur Bildung (im wahrsten Sinne) waren. Aber heute? Die x-te Variante universalistischen Konsumismus? Nein, danke. Als Geschichte ist ihm New Orleans aber sehr lieb und teuer.

Kurz und bündig nun die Tektonik des Dramas: Ein Mann verkauft Mitte der 1950er Jahre seine Seele an den Teufel, um Ruhm zu erlangen. Der nimmt den Pakt an, der Ruhm folgt auf den Fuß. Aber als eines Tages der Herr der Finsternis kommt, um die Bezahlung zu verlangen, will der arme Tropf, der nun in die Hölle fahren soll, den Meister der Lüge selbst belügen, und ihm eine fremde Seele unterjubeln. 

Das funktioniert aber nicht. Um aber trotzdem abzutauchen und sich dem Satan entziehen zu können, taucht der Sünder (der sich nun Angel Heart nennt) in Amnesie ab. 

Was eine kluge und intelligente Route der Dramaturgie ist! Denn tatsächlich ist das Menschsein vom Erinnern abhängig, von der Präsenz des Geschichtlichen. Wer sich nicht erinnert, verliert sein Persönlichkeitssein, seine Zurechnungsfähigkeit, und löst (oder versucht, das zu tun) die Verbindlichkeit seines Handelns auf. Man nimmt den Erinnerungslosen ja auch im Alltag nicht ernst, stellt ihn sogar in die Reihe der Kinder.

Der Drehbuchschreiber beweist damit erstaunliche Tiefe des Denkens. Und der Regisseur Alan Parker mindestens ebenso. (Bitte, wo hat man schon einen Drehbuchschreiber oder ein Filmset, das überhaupt eine Ahnung vom Katholischen hat, das weiß, wie man ein Kreuzzeichen macht, oder sogar Liturgie kennt, das Tantum Ergo kennt, usw. usf.! Man wird da schon so bescheiden ... Hier aber darf man im Symbolischen wühlen, richtig wühlen.)

Alan Parker wollen wir hier aber aus einem bestimmten Grund noch weiter herausheben. Denn es hängt von so vielen weiteren Dingen ab, ob die Idee des Drehbuchs (und ein Drehbuch kann wie jedes Kunstwerk nur EINE Idee haben) durch die Dramaturgie des endlichen Films auch herausgearbeitet wird. Sodaß der Film - als Ganzes, als Eines, und das ist eines der essentiellen Merkmale der Kunst - sie noch darstellt. 

Ob das aber so geschieht liegt dann tatsächlich und in erster Linie (so viele sonst noch bei einem Film mitreden wollen) in der Verantwortung des Regisseurs. Er entscheidet die Bilder, die dann aussagen (und den späteren Schnitt hilflos machen, wenn er der Linie der Regie nicht folgen will) - oder nicht. Er entscheidet die Farben, die Aspekte, die in den agierenden Schauspielern aufblitzen oder nicht, und muß während der oft extrem hektischen (und "praktischen", oft genug furchtbar banalen) Arbeit am Filmset doch immer und in allen den vielen Entscheidungen, die minütlich zu treffen sind, an dieser Idee haften bleiben, die als jenen Magnet bewahren, der letztlich alles ausrichtet, auch wenn man gar nicht "daran denkt".

Aber zurück zur Handlung von "Angel Heart": Als es ans Zahlen geht, will sich unser Angel Heart drücken. Natürlich findet der Teufel ihn. Der ihn aber nicht mehr kennt. Weil er sich eine andere Identität zugelegt hat, die er durch Amnesie "sichert". Doch in einer klugen Handlungsvariante  - er tritt als Kunde mit dem Namen Louis Cyphre (ausgesprochen wird es klarer: Lu-cifer!) - schickt der Teufel ihn, der sich als Detektiv mehr schlecht als recht in New York über Wasser hält, auf die Suche nach einem Verschwundenen. Aber nicht nur wo, sondern auch wer ist das überhaupt?

Die Suche führt ihn recht bald nach New Orleans. Dort taucht er dann tief in die Seelenlandschaft des Menschlichen ab, die teils wie Traum, teils wie ein Einblick in die Landschaften des Geistigen selbst wirken, die Ebenen verschwimmen. Verschwimmen, wie es doch auch im Leben ist! Was sich im Süden der USA offenbar besonders zeigt. Dessen Oberfläche lediglich wie eine Kruste über einer brodelnden Landschaft des Geistigen und Religiösen wirkt. 

Großartig etwa die Szene in einer Kirche (und unser Proponent fühlt sich seltsamerweise in Kirchen stets unwohl, na warum wohl? herrlich die Reaktion des Teufels alias Robert deNiro darauf!), als eine Choralsschola das Tantum Ergo (des Aquinaten) intoniert, während sich der Detektiv mit seinem rätselhaften Auftraggeber, der sich bis zum Schluß nicht identifiziert, in einer der hinteren Bänke bespricht. 

Ein Süden, in dem sich alles zeigt, was unter der Oberfläche des Menschseins wuchert und brodelt. Von Voodoo und allen Formen von Magie und Aberglauben bis zur wirklichen katholischen weil liturgischen Gestalt. Die sich hier - denn sie ist und wäre die einzige Gegenkraft, bitte schön! - so natürlich einfügt, wie es ihrer Natur entspricht. In der Welt, und doch nicht von ihr, doch als Brücke zwischen beidem, im Kampf mit dem Herren der Unterwelt, der ihr alles entreißen will.

Man ist aber noch aus einem Grund fast dankbar für diesen Film, der, wie man liest, 1987 entstanden, gerade einmal seine Herstellungskosten in den Kinos einspielte. Der zwar bestaunt und bewundert, aber nie so richtig einen Durchbruch erfuhr. Dabei bildet er sogar eine Analogie, zum Leben des damals noch recht jungen Mickey Rourke. Als hätte auch der seinen Pakt geschlossen. Und den Preis dafür bezahlt ...

"Angel Heart" läßt den Zuseher aber endlich wieder einmal richtig ins Wirkliche ein- und abtauchen. Und der Leser (als erst künftiger Seher dieses Films sei er jetzt noch so angesprochen) sei deshalb gewarnt, wie vor jeder richtigen Liturgie als Teilnahme an einem Kunstwerk: Er erlebt etwas ... Echtes. 

So, wie es Kunst eben tut, die Kunst ist und nicht so tut als ob. "Angel Heart" ist auch aus diesem Kriterium heraus tatsächlich ein Kunstwerk, und das ist beim Film die buchstäbliche Nadel im Heuhaufen.

 

Morgen Teil 2)

*290920*

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Gerüste, aus der Zeit gefiltert

Manche Worte genügen. Sie würden durch weitere Worte nur andere Welt.

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Hommage an einen ungarischen Bildhauer

Der Leser findet hier die Übertragung eines Textes ins Deutsche, der als Vorwort zu einem kleineren Bildband über den wohl bekanntesten, mittlerweile hoch betagten ungarischen Bildhauer László Kutas und von Mihály Praznovszky verfaßt wurde. Er ist bemerkenswert, und soll Ihnen nicht vorenthalten werden. 

Wer ist László Kutas?

Da sitzt mir ein kleiner Junge gegenüber, der mir ins Gesicht schaut. Natürlich weiß ich, daß ich es bin, der ihn beobachtet, aber ich stelle fest, daß er es ist, der mich auffordert, ihn zu studieren. Selbstverständlich mache ich das, was sonst. Und obwohl ich ihn nicht kenne, erinnere ich mich an ihn und seine Geschichte. Er muß der junge Mann sein, der in dieser unvergeßlichen Erzählung eines großen ungarischen Schriftstellers, der in der Manege eines Zirkus in die Höhe steigt und auf einem unglaublich dünnen, gefährlich schwankenden Seil seine Geige hervorholt und jenes Lied spielt, das seit seiner frühesten Kindheit in seiner Seele klingt. Er weiß, daß jeder Mensch in sich einen Traum hat, für dessen Verwirklichung er sein ganzes Leben aufs Spiel setzt.

László Kutas - kutasgaleria.hu  

László Kutas hat den Traum von diesem Jungen in seinem Clownkostüm und dieser mehrspitzigen Kappe auf dem Kopf, ließ ihn niedersitzen, seine Hände ineinander verschränken, und goß ihn dann in Bronze. Den Rest überließ er mir, dem aufmerksamen Betrachter, der ich die Geschichte um ihn vollenden muß. Der Bildhauer vertraut mir, weil er darum weiß, daß seine Skulpturen den Betrachter dazu anregen, zu reden. Nach der ersten Erfahrung, von einer der Skulpturen von Kutas angeblickt zu werden - die man als Mischung von Gelassenheit, Überraschung und innerer Bewegtheit bezeichnen könnte - gelangt der Betrachter auf die zweite Stufe, wo er der Figur einen Namen gibt, und ein Gesicht identifiziert, das von einer Geschichte ihres Schicksals umgeben wird, bis der Betrachter schließlich beginnt, diese Figuren in sein eigenes Leben, seine Erinnerungen und Träume einzubauen.

In diesen paar Zeilen sind, so habe ich den Eindruck, alle Schlüsselbegriffe zu Kutas' Leben, Arbeit und Popularität enthalten. Denn alle seine künstlerischen Werke unterschiedlichster Größe - einige sind größer, einige kleiner, einige stellen Einzelfiguren dar, andere Paare oder Gruppen - führen eine Geschichte mit sich. Sicher, manchmal können wir das Rätsel nicht lösen, worüber eine Gruppe von jungen Frauen, die auf einer Bank sitzen und miteinander tratschen, gerade redet. Und Männern ist die Logik ohnehin unzugänglich, die die Gespräche von jungen Frauen prägt und deren Inhalte so unvorhersagbar macht. Aber László Kutas versucht es immerhin, solche Situationen zu interpretieren.

Andererseits schafft er es aber immer wieder, Szenerien uneindeutig zu halten, wenn er etwa kultivierte Frauen (diesem Adjektiv fehlt leider jedes Volumen und jede Linienführung) sitzen, liegen oder auf einem Bronzesofa, -diwans und -couches in so spezifischen und aufregenden Posen sich ausstrecken läßt. Der Höhepunkt männlicher Sehnsüchte bricht auf, mit dem jemand diese kleinen Bronze-Venusse umkreist. Wir müssen an dieser Stelle das Wort Sehnsüchte relativieren, denn wir haben es hier mit einer Welt unerfüllten Verlangens zu tun, mit einer Welt, die sich rasch zu einer Welt der Heiterkeit, einer leichten, heiteren Stimmung, des Humors, der Ironie, des Kicherns oder gar des herzlichen Auflachens entfaltet.

Ich habe diese zwei oder drei Frauen bereits erwähnt, die auf einer Bank sitzen. Aber was ich so richtig an Kutas Statuen genieße ist der Umstand, daß man zu allen diesen individuellen Stücken ein ganzes soziales Umfeld konstruieren kann. Etwa wie man es beim Betrachten der kleinen Zimmer und Stuben bei diesen altmodischen Puppenhäusern tut. In gleicher Weise können wir mit allen seinen Statuen eine kleine, intime Welt bauen, eine Welt der Träume. Und hier haben wir den nächsten Schlüsselbegriff.

Man nehme zum Beispiel dieses kleine Kammermusikensemble, bei dem wir einmal mitwirken wollten, aber dann doch nicht konnten, weil uns das feine musikalische Gehör fehlte, das notwendig gewesen wäre. So daß wir an die Stelle dieses tiefgründigen Vergnügens, an der Schöpfung von Musik teilzunehmen, das etwas andere, einfachere Vergnügen setzen mußten, der Musik zuzuhören. Mit Kutas' Figuren aber können wir uns in die Vorstellung hineinträumen, daß wir nun doch die Geige spielen, die Oboe, das Saxophon, oder was immer wir gerne hätten. Und sie spielen für uns dann unser eigenes Wunschkonzert. So daß man sagen kann, daß in Kutas' Welt niemand allein bleiben muß, weder die Statuen, noch ihre Besitzer. Und vielleicht ist das eines der größten Geschenke, die uns Kunst und Künstler machen können: Daß sie uns aus einer sehr ursprünglichen Einsamkeit herausholen können. 

 

Von hier ist es nur noch ein kleiner Schritt zu einem zweiten Schlüsselwort zu Kutas' Kunst, und das ist das Wort "Liebe". Sogar Menschen, die Kutas nie persönlich begegnet sind, können diesen Zauber der Persönlichkeit des Künstlers fühlen.
 

 Er ist eine Art von "Beschenker" als Künstler, wie ich das für mich bezeichne. Er ist jemand, der sich in kleine Geschenkpäckchen zerteilt. Er kann nicht widerstehen, mit jener liebevollen Geste in unser Leben einzugreifen, mit der er uns ein Geschenk macht. (Wobei gesagt sein soll, daß es schwer ist ihm nicht "begegnet" zu sein, nachdem die Statuen mit fixierbaren Bewegungen, wie bildende Künstler sie verwenden, nach ihm benannt wurden.) Und vor allem mit seinen Kunstwerken macht er uns diese Geschenke - neben Humor, Begehren und Ideen verbreiten seine kleinen Statuen Liebe, die Liebe zur Musik, zum Spiel, zur Existenz überhaupt, und die Liebe zum eigenen Leben, genauso, wie es der Bildhauer selbst mit seinem vollen Gewicht macht. 

 

Wie es aussieht, ist sich Kutas dieses Umstands auch bewußt, und er steht auch offen dazu. Er selbst meint, daß er während des Tages nur "existiert", daß er aber in der Nacht "lebt". Tagsüber kann es schon vorkommen, daß er mit zitternden Händen und größter Spannung der Enthüllungszeremonie zu einer seiner Statuen entgegenfiebert, die wieder einmal irgendwo an einem öffentlichen Platz in einer Ecke Europas der Öffentlichkeit übergeben wird. Aber nachts, da lebt der Bildhauer - und war nicht die Nacht immer schon jene Zeit, in der der Mensch seine Träume gelebt hat? Und es sind diese Träume die den Künstler dazu treiben, seine inneren Phantasien in die Realität umzusetzen. Denn eine Menge guter Dinge geschehen in der Nacht, die dann unter den Händen des Künstlers zu Leben erwachen. Um Geschichten, Begehren, Hoffnungen, aber nicht zuletzt Gebete nicht zu vergessen.

Laszlo Kutas - Frauengruppe; Miskolc (Ungarn)

Denn in den Nächten, da betet Kutas zusammen mit seinem Lieblingsautor, Gyula Krúdy: "Gütiger Gott, gib mir stille Träume und eine ruhige Nacht. Gewähre mir, ich bitte Dich, daß ich die sirenenartigen Stimmen der Frauen nie in meinen Ohren habe. Beschütze mich, guter Gott, daß ich den Frauen nicht verfalle." Bis er schließlich, schon im ersten Morgengrauen, in ungeheurem Tempo alle diese Frauen schafft, ob sie auf einer Couch sitzen, an einer Bar lehnen, ein Balkongeländer berühren, ein Fahrrad halten, bekleidet oder nackt sind. Und während er das macht, betrügt er die ihm nicht so gut bekannte Sehnsucht, die uns dazu drängt, den Frauen doch zu verfallen.

Es geht also immer wieder um die Frauen ... Obwohl natürlich Kutas Welt weit komplexer ist, weit vielfältiger. Und dieses Argument kann jederzeit durch die dutzenden, lebensgroßen Statuen belegt werden, die überall im Land stehen. Darunter viele Skulpturen von Menschen, die in der Geschichte und Geisteswelt Ungarns Bedeutung hatten, oder Büsten herausragender Pädagogen. Und ich habe dabei noch gar nicht die Medaillons erwähnt, die man mit Preisen überhäuft und sogar Staatsmännern als Präsent überreicht hat. Oder seine Erinnerungsmünzen, die er für verschiedenste Jubiläen in Gold oder Silber angefertigt hat. 

Und wir dürfen diese kleine, ungemein populäre Statue von Mary Poppins nicht vergessen, die auf dem Ostwind reitend in unser Leben tritt, um es glücklicher zu machen. Die uns vor Augen führen soll, daß unser Leben wunderschön ist, und daß das Vergnügen daran kein Ende haben muß. Daß Gelassenheit unerschöpflich ist, natürlich ebenso wie die Güte. Und die soll unsere Fähigkeit stärken, bis an unser Lebensende Kind zu bleiben. Diese zarte, englische Lady ist genau wie der Ungar László Kutas. Sieht man vom Umstand ab, daß Kutas nicht verschwindet, ja daß er sich sogar weigert, wieder ins Märchenbuch zurückzukehren. Weil er für sich die Forderung sieht, Pflichten und Aufgaben zu erfüllen, die er noch nicht erfüllt hat. Erkennbar daran, daß die Welt immer noch nicht so ist wie all die Träume, die während der durchwachten Nächte aufsteigen.

Das hat alles aber auch damit zu tun, daß er seinem Namen gerecht werden will. Übersetzten wir deshalb einmal diesen Namen in eine Fremdsprache. Denn 'Kut' heißt "Brunnen", und 'Kutas' bedeutet so viel wie "der, der einen Brunnen hat" oder "aus ihm gibt." Brunnen enthalten ja bekanntlich sonst verborgenes, kühles, klares, lebensspendendes Wasser - das also, was man im Märchen als "Wasser des Lebens" bezeichnet. Wir wissen außerdem von je her aus Erfahrung, daß Familiennamen und die Merkmale ihrer Träger nicht selten in vollkommener Übereinstimmung stehen.

Wir können aber in keinem Fall unsere Namen einfach ablegen wie ein Kleidungsstück. Wir sind immer auch unser Name. Im Falle Kutas' strahlt diese Übereinstimmung jedoch in hellstem Glanz.

Glücklich jene, die eine von Kutas' Statuen besitzen.

Mihály Praznovszky, in "László Kutas" 

Laszlo Kutas, Harlekin, Bronzeguß - Photo with courtesy Leser U

*180519*
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Kunst als Hereinholung des Transzendenten

Wandfresken im Grab des Pharao Amenhotep III., Ägypten

Kunst als reale Gegenwart (Realpräsenz) des Transzendenten. Durch Weltwerdeung des unsichtbaren Wirklichen wird das Wirkgeflecht des Geistigen (Transzendenten) real gegenwärtig.

Rationalismus - Geschichte des Abendlandes als Geschichte der Inkarnation des Geistigen, des Transzendenten (Ursprung der Kunst im Kult) - Zugang zur Kunst der Antike (Amenhotep III. - Wandresken) durch die Ikonographie der Orthodoxie.

Kultur gibt es nur aus der Gegenwart des Transzendenten heraus. Selbst der Rationalismus des Westens ist ein analoger Versuch, indem dem menschlichen Verstand (Ratio) Geistqualität (absoluter Ursprung) beigemessen wurde.

Diei Schöpfung hat in sich die Tendenz, das Wissen Gottes - seine Ideen - zu verfleischlichen. Deshalb ist sie in sich auf Fortschritt angelegt, nämlich auf Vielfalt und Vielzahl, ja auf Unendlichkeit. Daher stammt die Angelegtheit der Welt auf "viel Bevölkerung". (Zillmer meint sogar, daß die Erde "sich ausdehnt". Vor diesem Hintergrund ist das nicht unwahrscheinlich.)

Harem (Vielweiberei) als Ausdruck der Göttlichkeit des Prinzips, des Mannes. Viel = das Ding an sich.

*270618*

Ausdruck einer Volksseele

Wie so viele standen sie an der untersten Sprosse der sozialen Leiter - die Schiffstreidler. Männer, die nichts sonst hatten als ihre Körpermasse und -kraft. Und sie zogen die Donau die Schiffe gegen die Strömung wieder hinauf. Noch heute gibt es die "Treppelwege", überall. Auch an der Wolga. 

Nirgendwo aber gibt es ein Lied, das dieses Lebensschicksal, das immerhin ein Überleben ermöglichte, so in seiner Tragik darstellte als in Rußland. In "Ej uch njem", und in dem berühmten Gemälde von Ilja Repin "Die Wolgatreidler". Eine Volksseele spricht sich da aus. Eine Seele, die nicht jammert, die das Leben sieht wie es eben ist, und deshalb weiß, daß sie auch in aller Letztstufigkeit noch alle Möglichkeiten des Menschen besitzt, auch die zum Bösen, wie es Dostojewskij so großartig erfaßt hatte: Die Welt ein vallis lacrimosa. Für jeden. Für alle. Dem nur noch der pausenlose Ruf der Kirche nach Erbarmen entspricht. Gospodin, pomiluij nas! Ein Leben aber, das abends dennoch gefeiert wird.

Ilja Repin: Die Wolgatreidler

Detail bis ins Letzte. Eine Linie. Parallel entstand der große russische Roman, der jede Figur bis in den letzten Seelenwinkel zeichnet. Denn die Welt ist im Großen erst, weil sie sich aus den kleinsten Charakteren zusammensetzt. In ihnen wirkt das Große, nichts vermag auf das Kleine zu verzichten, sonst wäre es nicht.

Ilja Repin: Detail aus "Die Wolgatreidler"

*260118*

Der Samstag-Nachmittag-Film

Der VdZ war noch sehr jung. Aber einige Momente und Bilder aus "Der Schimmelreiter" haben ihn nie mehr verlassen. Kunst spiegelt eben nicht einfach nur, sondern sie greift das Unsichtbare auf, und stellt es ins Bild. Als solches, als Bild, formt sie die Menschen, stellt ihr sonst diffuses inneres Rauschen in Bilder, formt, ja macht so eine Kultur. Deshalb gehört der Film zweifelsohne zur bildenden Kunst, noch ehe er sich zur dramatischen Kunst ausdifferenziert.

*030817*

Hier haben wir die Gründe (2)

Und hier, in diesem vorerst letzten Bild der Serie, die wir hier zeigen, erklärt Victor Delhez genau, WARUM er verzweifelt ist. Hier erklärt er nämlich daß es am Zustand der Tugenden liegt, der Drei Göttlichen Tugenden, Glaube - Hoffnung - Liebe, wie alle Tugenden ein Circulus Vituosis. Er gibt Auskunft über sich und seine Verzweiflung indem er zeigt, wie es um sie bestellt ist: Sie sind tot! Sie sind nicht zum Leben erwacht. Deshalb bleibt die Welt grau, und wirkt die traditionelle, überlieferte Kultur als Erbe wie ein Friedhof, über dem ein dunkler Himmel hängt. 

Wenn wir dies als "Teil 2" der Erklärungen bezeichnen, so nicht als Hintereinanderreihung, sondern um zu zeigen, daß es sich hier um Widersprüche handelt, die die Widersprüche der Gegenwart sind. Denn die Verlegung der Gründe, der Macht nach außen ist die logische Folge der menschlichen Ohnmacht, die aus dem Tod der Tugend hervorgeht. Verliert der von Dämonen umlagerte Mensch (siehe die Bilder zuvor) seine Selbstmächtigkeit, ist es immer eigenes Versagen, in den allermeisten Fällen Acedia, das Laster der geistigen Trägheit. Die moderne Welt bietet dafür aber nur eine Erklärung: Die der äußeren Umstände. 

Der Mensch ist dann nur noch ein Opfer der Mechanismen, die ihn umgeben und die andere über ihn gestülpt haben. Nur die Hände haben noch Fleisch - und die Hände, das ist das Gesetz, die Hände, die Hand ist der Mechanismus der Weltgesetze. Aber die Tugend hat kein Gesicht, kein Fleisch mehr, ja es ist zum bizarren Schrecken geworden. Die Hände (zwei tragen sogar einen Treue-/Ehering) suchen es, aber sie greifen ins Leere des toten Schädels. Man könnte es vielleicht sogar so deuten, daß das Konzept der Tugend (der inneren Durch- und Neugestaltung durch das Sein, und das sind die Tugenden) nicht mehr glaubt, daß es versagt hat. Nun sind Hände gefragt, nur sie blieben.

Das ist wahre Frucht des Hegelianismus, in dem Mensch und Geist (als menschlicher Geist) zu einem Produkt einer dialektischen Maschinerie werden. Der in den USA so verbreitete Behaviourismus knüpft mit seinem Menschenbild genau daran an. In diesem Bild wirken deshalb die (göttlichen, also der Gnade zu verdankenden) Tugenden hilflos und verzweifelt, ihre Zet ist vorbei.

Und hier haben die den Widerspruch auf einem Silbertablett serviert, in dem auch der Protegé von Delhez verharrt. Denn auf einer Seite wissen beide offenbar sehr gut um die Bedeutung der Kultur. Aber ihnen fehlt auf der anderen Seite der Weg und die Einsicht, wie man kultureller Mensch sein kann. Das zeigt sich nicht zuletzt in der Definition der Armut, deren (siehe die wunderbaren Schriften von Leon Bloy dazu) heilsöffnender Charakter völlig übersehen wird. 

Stattdessen wird materielle Armut verleumdet und sogar als heilsverhindernd angesehen, während hinter der Verzweiflung, die über die "tradionelle Kultur" gemalt wird, durchaus etwas wie Haß vermutet werden kann. Verachtenswert wird sie aber genau in dem Moment, wo Armut als ein unbedingt zu beseitigender Zustand angesehen wird, den zu beseitigen sogar ein "Recht" der Armen ist, das zu allem berechtigt. Denn hier wird Armut durch das wirklich heilsverweigernde Gegenteil - die Verkrallung in die Güter der Welt - ersetzt. Aber Armut ist der einzige Weg zum Heil! 

Denn sie heißt Sterben, sie heißt dieser Welt absterben, und das ist ihre wahre Größe und Sendung. Das heißt, daß die Armut dann zum Heil wird, ja eine ungeheure Heilschance sein kann und tatsächlich ist, die keineswegs einfach als "nicht von Gott gewollt" abgetan werden kann, das ist glatte Blasphemie. Sondern daß auch sie zur Form tragen möchte und kann, ja weit mehr und eher kann als der Reichtum, der an dieses innerste Geheimnis der Erlösung durch Geld nur schwer herankommt. Weshalb es den Reichen wirklich schwer ist, zum Heil zu gelangen! Die ersten Zielobjekte katholischer Pastoral müßten also tatsächlich die Reichen sein, sie sind zu allermeist die wahren Elenden.

Der Widerspruch zeigt sich damit auch im jetzigen Papst. Der Bergoglio-Papst löst nämlich die Form auf, immer und überall, aber nur Form kann Kultur sein, denn gerade sie ist der Auftrag der Armut. Bergoglio sieht aber nicht die Armut in ihrer Größe, er sieht nur die menschliche Sicht als Elend, weiß offenbar nicht, daß das eine, Elend, mit dem anderen, Armut, nichts zu tun hat. Und er tut es, weil ihm dazu ... die Tugenden fehlen, das muß man einfach rückfolgern. Also sind seine "Konzepte" auf das Außen der "Armutsbeseitigung" ausgerichtet, wo der Schuldige gesucht wird. (Das ist auch das, was man ihm sogar zu Recht als "sozialistischer Zug" vorwerfen kann.) 

Sieht somit nicht, ja schlägt den vielen Armen der Welt wirklich ins Gesicht (die es ja auch in unseren Breiten gibt, so ist es ja beileibe nicht), die in ihrem Leiden, in ihrem Sterben, an das sie täglich regelrecht angepreßt werden, daß die Armen die größte Gnadenquelle weil -pforte für die Kirche als mystischer Leib Christi sind, mit ihm in der Taufe, im Sakrament der Eucharistie verbunden. Ihr Blut ist es also vor allem, das den Kampf um die Welt austrägt und dem Erlöser aufs Kreuz nachgefolgt ist, und damit für die ganze Kirche wirksam wird. Denn die Grundhaltung der Kirche als mystischer Leib - ist das Betteln, wie Bloy so großartig schreibt.

Dieses Bild liefert also einen, ja vielleicht den Schlüssel, um Delhez, aber auch um Bergoglio zu verstehen. Vor allem aber haben wir JETZT ERST die Kriterien erarbietet die uns ein Urteil über die Werke von Victor Delhez gestatten können. Denn jetzt sehen wir klar unterschieden, wo seine künstlerische Größe liegt (im Empfinden, was ihn als Künstler klar ausweist), wo er aber noch nicht durch zur Katharsis durchgedrungen ist, wo ihm also jenes Licht fehlt, das ihn die Schemen der Ideologie ablegen läßt (unter denen jeder Künstler ganz gewiß schwer leidet!), die ihm nur noch den Ausweg der Verzweiflung finden läßt. Als läge vor seinem Gab ein schwerer Stein, den bisher nichts und niemand beseitigen konnte. Auch nicht sein Protegé, der Papst.

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Victor Delhez, "Die Drei Tugenden - The Three Virtues"

*020517*

Hier haben wir die Gründe (1)

Und in Fortführung der Reihe über Victor Delhez finden wir hier nun die erste Säule der Gründe für die Verzweiflung des argentinischen Malers, die seine Werke zu Symptomen macht, wenn auch zu sehr guten. Er sieht die Gründe in einer von außen kommenden Macht der Vorsehungslosigkeit, die auf die menschliche Kultur einstrahlt und (Würfel!) nach Willkür und Zufall vorgeht, damit Verzweiflung in die Menschheit trägt. In der der brüllende Löwe frei umherstreift.

Nein nein, Herrschaften, hier mit "Häßlichkeit" zu argumentieren, aus der Delhez abzulehnen wäre, wie es manche Fromme meinen, ist falsch, sehr falsch sogar. Denn wem es gelingt, die Häßlichkeit wahr darzustellen (und darin ist sie dann sogar "schön", wenn auch nicht einfach angenehm oder gefällig) zeigt, daß er sie als Häßlichkeit begriffen hat. Wenn auch noch nicht überwunden.

Denn es läßt sich noch etwas anderes erkennen. Dieser auch beim Protegé des Argentiniers, seinem Landsmann Papst Franziskus, so ausgeprägte (wirkliche, und damit wirklich zerstörerische Teil des) Hegelianismus, in dem das Übel in einem Außen liegt, dem der Mensch hilflos ausgeliefert ist. Und warum ist das so? Am Sonntag zeigen wir es, denn diese Bildserie, die der VdZ im Netz fand, liefert eine großartige Erklärungslinie für manches.

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*020517*

Wie sich nämlich der Maler sieht

Das in den vergangenen Tagen über Victor Delhez Gesagte bestätigt auch dieses Bild aus seiner Hand. Es zeigt ein Gesicht (den Maler? was an Kunst ist nicht autobiograpisch?) das von Dämonen wie fixierend umlagert wird, während er selbst gebannt und im Bilde starr ist. Dieses Werk unterlegt also exakt, was hier über Delhez zu lesen war. Und es geht weiter ...

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*020517*

Die Verzweiflung der Gegenwart

Wenn der argentinische Maler Victor Delhez auch offenbar die Lösung (noch) nicht gefunden hat, so scheint er doch künstlerisch so Einiges wahrzunehmen. Aber die Aufgabe des Künstlers ist, durch die Übel der Zeit durch zu finden, weil diese in sich zu überwinden. Gelingt das nicht, bleibt er zwar "richtig" in seiner Symptomatik, aber verzweifelt, und damit nicht wahr. Das vor ein paar Tagen gezeigte, von ihm gemalte Christus-Bild beweist es: Nur in einem Herakles kann solch ein Geist sich vorstellen, daß Erlösung naht. Sein Geist aber ist damit offensichtlich irdgebunden.

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*020517*

Seltsames Christusbild

Dieses Bild versandte der Papst heuer als Ostergrüße an die Angestellten des Vatikan. Eine Graphik des argentinischen Malers Victor Delhez, den der Papst recht zu schätzen scheint. Muß ein sportiver Sprinter gewesen sein, der auferstandene Jesus Christus, mit deutlich revolutionären Zügen, oder nicht?

Nur - ist dies zufällig? Oder zeigt es nicht etwas an? Der VdZ stieß im Zuge weiterer Recherchen auf eine Reihe von Bildern. Sie wurden präsentiert um die Furchtbarkeit der Häßlichkeit zu zeigen, der angeblich dieser Papst anhängt, der diesen Maler der Häßlichkeit so bevorzugt.

Nur - wie kann es sein, daß man Häßlichkeit ALS Häßlichkeit erkennt, ohne die ... Schönheit zu kennen? Ist gute Kunst wirklich immer nur die Harmonie einer Fuge? Mitnichten! Ihr kathartischer Wert kann über die Häßlichkeit der Zeit, in die der Künstler geboren wurde, nicht hinwegschreiten, das ist ein fataler Irrtum Gutmeinender, die aber die kathartische Wirkung der Kunst verkennen, und deshalb auch die Kunst selbst marginalisieren und ihrer Aufgabe berauben wollen. Häßliche Zeiten brauchen aberr auch Kunst, die diese Häßlichkeit erkennt, und sie ALS Häßlichkeit darzustellen ist bereits wieder ein Akt der Schönheit!

Es gibt sie also, die "schöne Häßlichkeit", die aber scharf von der "faszinierenden Häßlichkeit" zu unterscheiden ist, die die Häßlichkeit als gangbaren Weg auffassen will und die Zerstörung wegläßt oder gar romantisiert oder sentimentalisiert.

Aber damit haben wir die Bilder von Delhez noch nicht ausreichend erfaßt. In dieser Serie, die der VdZ vorfand und die er in den nächsten Tagen besprechen wird, zeigt sich etwas ganz anderes. Etwas, das man durchaus als Schlüssel zum Verständnis von Delhez, dieser Zeit, aber auch des Bergoglio-Papstes auffassen kann. Denn hier zeigt sich einiges, und auch Irrtümliches. Der Leser möge dem VdZ in seinem Versuch folgen, das darzustellen, was ihm beim Betrachten dieser Bilder auffiel.

Denn der wahre Knackpunkt um Irrtum und Wahrheit liegt nicht in der "Ästhetik" dieser Bilder. Er liegt in dem, was sie aussagen, wo sich wahre Analyse mit falschen Rückschlüssen paart. Die aus dem Erlöser der Welt einen aufbegehrenden, sportiven Mann machen, wie er jedem kommunistisch-revolutionären Plakat entnommen sein könnte. Diese kommunistische Ästhetik also ist keineswegs zufällig. Das soll in den kommenden Tagen gezeigt werden.

Ohne auf einen weiteren Punkt weiter einzugehen, der in der Diskussion um Kunst meist völlig vernachlässig und vergessen wird. Denn es gibt zwei Momente in der Kunst - die der Künstlers und seiner Pflicht zum Selbstzeugnis als Zeugnis für die Welt, und die des Verbreitens der Kunst. Der Künstler hat nur die Pflicht zur Wahrhaftigkeit in seiner Wahrnehmung und Darstellung, und nur wenn er dieser treu ist reift und wächst sein Künstlertum und der Rang seiner Werke. Der Aussteller, der Darbieter, ja der Auftraggeber (denn Kunst braucht Auftrag) aber hat die Frage zu beantworten, wo und in welcher Situation welche Werke zu präsentieren und damit wirksam zu machen sind.

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*020517*